É um espetáculo sobre a essência humana. Trata daquilo que nos une aos outros, das covardias invisíveis, das palavras que salvam a vida. São ações que transcorrem em palcos móveis e circulares, que os atores manejam com a fluidez dos patinadores. As cenas surgem, arrebatam e desaparecem. Esse espetáculo tem, aproximadamente, sete horas.

O desafio é revelar ao público os instantes que fazem de nós o que somos. Cada cena é um instante. Cada instante é essencial e o espetáculo integral traz a emoção à tona!

Há mais de 40 anos, foi fundado em 1964, por Ariane Mnouchkine, junto a alguns colegas da Universidade de Paris-Sorbonne, uma Sociedade Cooperativa Operária de Produção, com o objetivo de estabelecer novas relações com o público e realizar algo que se distinguisse do teatro burguês, para chegar a um teatro popular de qualidade.

Em 1970, a trupe se instala no Bosque de Vincennes, na Cartoucherie – antiga fábrica de munição do exército francês, nos arredores de Paris.  Desde então, o Théâtre du Soleil se transformou em uma das mais importantes companhias da França, pela quantidade de artistas que abriga e por sua projeção internacional.  São mais de 70 artistas que falam 25 idiomas diferentes, predominando o francês. Atualmente, é uma das mais prestigiadas no panorama internacional.

O espetáculo nasce de improvisações, filmagens, fotografias, e, na seqüência, é exibido aos atores durante os ensaios. Os comentários das imagens fazem parte do trabalho de ensaio dos atores. Sem esses critérios, torna-se impossível realizar o espetáculo.

Ariane Mnouchkine é considerada, internacionalmente, uma das maiores diretoras de teatro em atividade no mundo. Em sua arte, ela trabalha a ousadia, a atuação, as formas de arte pelo mundo, a graça, a emoção. É importante ressaltar que o choro também faz parte dessa arte. Da arte de atuar. Tem que haver uma troca, não há como viver na abstração. Do contrário, está no lugar errado.

“um filme ou um espetáculo são como uma viagem num barco à vela, a gente prepara tudo com muito cuidado, a gente entra no barco, iça a vela, mas tudo depende dos ventos do dia.”

Créditos das imagens: Martine Franck e Michèle Laurent

Deolinda Catarina FRANÇA DE VILHENA – Ariane Mnouchkine e o Théâtre du Soleil: notas de uma trajetória entre palco e tela

Kabuki é uma forma de teatro japonês conhecida pela estilização do drama e pela elaborada maquiagem usada, durante o período Edo, no começo do séc. XVII. A palavra “Kabuki” é resultado da junção de 03 ideogramas: “ka”, “bu” e “ki”, que significam respectivamente: cantar, dançar e representar. Foi criada por Okuni, uma dançarina de grande talento.

Essa forma de teatro era cultivada principalmente pelos mercadores da época. Eles expressavam seus ideais nas peças. Faziam críticas à sociedade, ao governo e aos fatos históricos, através de dramas, ironias e sátiras. O tema principal do Kabuki era a insatisfação dos mercadores com a classe samurai e o sistema feudal. Embora a classe mercantil já gozasse de alto poder econômico, ainda tinha que se curvar aos seus superiores. O dia-a-dia da classe plebéia também era tema do Kabuki.

Entretanto, o que mais atraía o público da época (mercadores, artesãos, povo da cidade, camponeses) eram as atrizes. Através das danças bastante sensuais, o público comparecia a esses eventos não mais pela atuação em si, e sim pela beleza dessas mulheres, muitas das quais eram prostitutas.

Temendo uma séria desmoralização do público, em 1.629 o governo do xogunato Tokugawa proibiu oficialmente a participação de atrizes no teatro Kabuki. Estabelecia-se então uma das características mais tradicionais dessa forma de teatro, que é a atuação apenas de homens, travestidos de mulheres.

Como o povo já aceitava o Kabuki como forma de arte, os atores masculinos imediatamente substituíram os papéis femininos. Isso gerou o que ficou conhecido por “onnagata” que é a arte do ator de se travestir de mulher e representar como uma atriz. Os “onnagata” são verdadeiros especialistas em interpretar papéis femininos.

Logo que surgiu, o Kabuki expandiu-se assimilando características de todas as formas teatrais que já existiam no Japão, tais quais o teatro Nô, o Kiogen e, posteriormente, o Bunraku (forma elaborada de teatro de bonecos). Desses, o Kabuki extraiu técnicas e repertório para tornar-se, assim, a forma de teatro mais popular do Japão, ainda nos dias de hoje.

O famoso dramaturgo Chikamatsu Monzaemon, um dos primeiros a escrever textos dramáticos de Kabuki profissionalmente, produziu muitos trabalhos influentes, embora a peça tida como mais significativa de sua obra, Sonezaki Shinju (Os suicídios de amor em Sonezaki), tenha sido originalmente escrita para bunraku. Como muitas outras peças de bunraku, entretanto, essa foi adaptada para Kabuki. Conta-se que essa e outras peças similares causaram tantos casos reais de suicídio, que o governo proibiu as shinju mono (peças sobre suicídio duplo de amantes – curiosa semelhança com Romeu e Julieta) em 1723.

No Japão moderno, o teatro kabuki tornou-se um espetáculo popular que combina realismo e formalismo, música e dança, mímica, encenação e figurinos, implicando numa constante integração entre os atores e a platéia.

Há três categorias principais de peças kabuki:

jidai-mono – peças anteriores ao período Sengoku;

sewa-mono – peças posteriores ao período Sengoku;

shosagoto – peças de dança.

Os mie (aparência ou visível, em japonês) e a maquiagem são características importantes do Kabuki. Os mie são poses pitorescas que o ator sustenta para compor seu personagem.  É um momento em que o ator pára congelado numa pose. O propósito é expressar o auge das emoções de um personagem. Os olhos do ator se abrem o máximo possível; se o personagem tiver que parecer agitado ou nervoso o ator chega a ficar zarolho. A maquiagem (ou keshô) é um elemento do estilo facilmente reconhecível, mesmo por quem não está familiarizado com esta forma de arte. O pó-de-arroz é usado para criar a base branca oshiroi. O kumadori acentua ou exagera as linhas faciais para produzir as máscaras dramáticas usadas pelos atores.

Uma característica marcante do teatro Kabuki, além da inexistência de atrizes, é a incrível beleza dos cenários. Assim como o cenário, a maquilagem e as roupas das personagens apresentam um fascinante e extraordinário colorido. A vestimenta participa desse conjunto multicor ajudando a caracterizar o ator Kabuki. Tudo é extremamente exagerado, o que o torna mais atraente. O choque visual vai além desses parâmetros: a mímica possui força de expressão e os movimentos são feitos em cadência, com alto nível de perfeição. Dessa forma, mesmo que a história não seja muito interessante, o espectador encanta-se com o arranjo das cores.

O que realça a presença dos artistas Kabuki é a maquiagem altamente estilizada, marcando os contornos dos olhos, os cílios e a boca. Cada cor está ligada a uma simbologia que representa o temperamento do personagem. Assim como o branco é usado por mulheres e jovens apaixonadas, o vermelho retrata a ira e a cólera, o cinza a melancolia, azul-preto os vilões e o verde os espíritos diabólicos e visitantes de outro mundo.

O caráter extravagante da maquiagem, a beleza do cenário aliada às explorações estéticas no campo da dança e da música constituíram-se em fatores essenciais para a ampla acolhida popular que este teatro obteve ao longo do tempo, e não só no Oriente.

Teatro de luz negra é um mundo de criações ilusórias e segredos escondidos.  As histórias são contadas com uma mistura de mímica, música, coreografias dinâmicas, balé, cinema de animação, efeitos visuais, atores e bonecos.

O princípio do teatro negro consiste num truque de ótica que tira partido de uma imperfeição do olho humano que não consegue distinguir objetos negros sobre um fundo negro. Usado na antiga China para entreter os imperadores, este princípio foi adotado somente no século XVIII pelos japoneses nos teatros de marionetes, posteriormente introduzido na Europa por titereiros ou titeriteiros (manipuladores de fantoches) franceses e, por fim, transformado num tipo de linguagem visual e cênica que quebra as barreiras da língua e transforma esta arte numa forma magnífica de comunicação performática, que combina técnicas tradicionais com pirotecnia moderna.

A luz do teatro negro moderno nasceu nos anos 50, principalmente com o artista franco-vanguardista George Lafaille, que é freqüentemente chamado de “o pai do teatro de luz negra”.

No passado, o conceito do teatro de luz negra foi guardado em sigilo. Os atores usavam máscaras, cobriam-se com roupas pretas contra um fundo negro, criando uma ilusão de ótica e faziam com que as pessoas desaparecessem. Mas, para que tudo funcionasse bem, o teatro devia estar completamente escuro.

A escuridão intensa do teatro negro está cheia de fantasias, imagens poéticas. Não há como ver os atores, eles praticamente tornam-se invisíveis. Esse truque, inicialmente utilizado em teatro de marionetes, foi adotado por companhias tchecas de teatro como base de uma nova linguagem teatral, na qual atores de carne e osso trajados de negro se movimentam à frente de um cenário igualmente negro, fazendo sobressair, com um complexo jogo de luzes, partes dos seus corpos e fazendo objetos inanimados terem vida própria.

Essas luzes são lâmpadas fluorescentes que fazem com que os objetos pintados sejam visíveis.

Falar em teatro negro é falar obrigatoriamente em Praga. Este tipo de teatro pertence inseparavelmente à vida cultural de Praga. Foi fundado em 1975 por Jirí Smec e por Frantisek Kratochivil, atual diretor artístico da companhia.

Esta forma de arte tipicamente tcheca é muito apreciada. Em Praga, existem nove teatros de luz negra, destacando-se o de Jirí Smec, onde a mímica é usada como um dos procedimentos técnicos; o teatro Ta Fantastika, que usa efeitos específicos de luz negra e cinema de animação com atores reais e, o teatro WOW, que atualmente é o mais jovem, maior e moderno.

Devemos lembrar sempre do que falamos ao outro. A comunicação, a linguagem verbal, o uso da voz, isso só tem sentido quando temos o outro e quando nos fazemos entender.

Já repararam como nossa voz tem multi-funções? Ela pode revelar nosso interesse por alguém, nosso cansaço, nossa tristeza, alegria, ansiedade, nos denuncia quando acabamos de acordar, eleva-se num ambiente ruidoso, modifica-se quando estamos calmos ou quando estamos exercendo uma atividade em que a voz é o diferencial.

Depois de toda essa explanação, vou revelar o que me traz aqui. Colocarei todos os pingos nos respectivos “is”.

Sabe aquele profissional que manipula e, sem mexer a boca, dá voz a um boneco, promovendo um diálogo entre o artista e a peça inanimada? Então, apresento-lhes o ventríloquo (em latim, venter loqui, significa barriga falante).

A ventriloquia é a arte de projetar a voz, sem que se abra a boca ou se mova os lábios, de maneira que o som pareça vir de outra fonte que não a do falante.

Esse fenômeno é possível devido ao uso do estômago durante a inalação. É preciso inspirar e expirar devagar, pressionando com força as cordas vocais. As palavras são formadas pelo estreitamento da garganta – a boca abre-se o mínimo e a língua move-se apenas na ponta. O artista dissimula o timbre natural da própria voz e encara um verdadeiro diálogo com a peça inanimada, o que contribui para reforçar a ilusão.

Essa arte teve início há anos com os gregos antigos, que a chamavam de gastromancia, e estava associada às práticas divinatórias da necromancia, sendo usada para parecer que o espírito do morto estava presente para dar informações de além-túmulo.

Imaginem que durante a Idade Média a prática era associada à feitiçaria!

A partir do século XVI as doutrinas espiritualistas foram se apartando das mágicas e das fugas, tornando-as artes, voltadas aos espetáculos teatrais e circenses, sem conotações místicas.

É praticado em todo o mundo, assumindo fisionomias e espíritos dramáticos bem cômicos e diferenciados. Confeccionado muitas vezes semelhante à nossa imagem, transforma-se em um ser misterioso em torno do qual podemos construir um mundo.

No palco cria vida própria, conta história, transforma a vida em magia que muitas vezes nos faz sair da realidade, mas não perde o caráter da expressão artística.

É visível o encantamento e a curiosidade que provoca tanto nas crianças como nos os adultos. A ventriloquia possui valores que a transcendem, eliminando barreiras de tempo e lugar.

Ventríloquo americano Edgar Bergen

Um pequeno exercício de imaginação: se o sonho de Pinóquio era tornar-se um menino de verdade, qual seria o do boneco?

Ser autônomo? Não ser manipulado? Ter voz própria? Pensar por si mesmo?

Quantos de nós deveriam ter essas mesmas aspirações e concretizá-las?

Por que não pô-las em prática já?

A quarta parede é um dos conceitos mais importantes da dramaturgia: os atores em cena devem agir como se o público não estivesse presente, como se houvesse uma parede imaginária entre o palco e a plateia. Isso impede o elenco de trocar olhares com o público, dando a impressão de que tudo o que acontece na peça é verdade, sem a interferência de elementos exteriores. Sem a interferência do espectador.

Trata-se de uma parede imaginária situada na frente do palco do teatro, por meio da qual a plateia assiste passiva à ação do mundo encenado. A origem do termo é incerta, mas presume-se que o conceito tenha surgido no século XX, com a chegada do teatro realista.

O termo “quarta parede” também é usado no cinema, em videogames, na televisão e na literatura, geralmente para se referir à divisória entre a ficção e a audiência. Este recurso cênico é um dos elementos mais bem estabelecidos da ficção e levou alguns artistas a voltarem sua atenção para ela como efeito dramático.

Como no teatro tudo pode acontecer, esse mesmo recurso é muito utilizado no intuito de desfazer essa convenção, isto é, derrubando este princípio.

Como assim? Quebrando a quarta parede!

É simples, é a ação que o ator tem ao se dirigir diretamente ao espectador, não o ignorando mais.

Os espetáculos podem, portanto, ser de dois modos: com e sem a quarta parede.

A plateia é convidada a interagir com os atores em certos pontos, como para escolher a resolução de um mistério. Nesse caso, os espectadores são tratados como testemunhas da ação em andamento, tornando-se “atores”, quebrando a quarta parede.

É importante perceber a idéia de que a quarta parede foi “derrubada”, mais precisamente naqueles espetáculos em que os atores “saem do palco” e se relacionam diretamente com o público – seja sentando ao seu lado, seja oferecendo algum objeto ou até mesmo convidando pessoas da platéia para atuar em uma pequena cena que será montada aos olhos do público.

Derrubar a quarta parede de forma súbita é um recurso bastante usado para um efeito humorístico “non sense”, atém mesmo em “stand-ups” já que tal efeito é inesperado em ficções narrativas e afins.

Quebrar a quarta parede é interagir com o seu público. É estar em contato direto com ele, sem barreiras.

É conhecê-lo. É reconhecê-lo.

“Todo mundo é teatro, mesmo que não faça,

só que os atores têm consciência disso”.

Augusto Boal

Podemos compor de algumas maneiras, como por exemplo, inserindo textos dramáticos na voz de bailarinos e montando coreografias aos atores. São infinitas as possibilidades de exploração nas artes cênicas.

Uma coisa é certa, qualquer pessoa, de qualquer idade, pode dançar, atuar, seja em uma roda ou num palco. O que é preciso sim, é ter vontade, querer entrar em contato com a possibilidade da troca de energia com o próximo.

O atuar oferece a todos a oportunidade de desenvolver o seu potencial. A dança flexibiliza, liberta.

A dança é um dos fenômenos que tem acompanhado o ser humano durante toda a sua trajetória histórica e cada país, através dela, expressa a riqueza de seu folclore, de suas tradições.

O nosso corpo se expressa através do movimento, que combina vários estilos e formas.

Temos o gênero folclórico, que acompanhou os primeiros colonizadores resgatando sua velha pátria; e o gênero artístico, com produções criadas por coreógrafos profissionais e interpretadas por dançarinos.

A experiência de dançar nos conecta com a energia, com a tradição, com a cultura, com a beleza e expressão artística.

A dança é uma forma de arte em constante evolução, e o que eu gostaria de abordar aqui é a dança de roda, presente entre outras no folclore judaico, e que em hebraico, é conhecida como harkadá e a dança circular.

Realizadas em círculo e de mãos dadas, as danças circulares favorecem a integração, a comunicação, a flexibilidade, a percepção de si mesmo e do outro.

Com base nas danças folclóricas de cada povo, também permitem que, através do olhar, todos se reconheçam como participantes e não como competidores.

A roda é a mais primitiva forma de dança coletiva. A partir dessa matriz e das suas variações, foram sendo gerados os outros gêneros coreográficos.

A harkadá mescla inspiração bíblica e estilos contemporâneos.

Bastante popular na harkadá, temos uma dança romena,chamada Hora,que simboliza a nova vida construída na Terra de Israel: nesta harkadá todos os participantes têm o mesmo status, ou seja, seus movimentos simples e os braços entrelaçados possibilitam a participação.

Dançamos, geralmente, de mãos dadas. Dar as mãos em roda e em círculo é muito mais que um simples toque.

Dançar é, portanto, a busca da integração entre o físico e o espiritual. Atuar é imaginação.

A dança e o teatro proporcionam harmonia, alegria, criatividade, cumplicidade, respeito, vivacidade, diversão, trabalho, ou seja, uma adrenalina que só sabe o que é quem pratica.

E aí, quem gostaria de dançar comigo?

Senhoras e Senhores,

Regra número única: cara boa e brilho no olho!!!!

A palavra apareceu durante o século XVI.

Para aprender a ser um, é necessário sair da lógica determinada pela sociedade e abrir espaço à uma lógica particular, na qual a diversão de poder ser criança novamente é resgatada. Um retorno às nossas ingenuidades que se tornam arte.

Essa linguagem está presente na vida de todos os indivíduos nas diferentes culturas existentes. Um espaço de atos puros, de descobertas, de emoções e de ações fora da lógica pré-estabelecida.

É um intrépido indivíduo às avessas que parece estar presente nas diversas sociedades, encantando, divertindo, compartilhando com cada um dos seus espectadores momentos de cumplicidade por meio da alegria, do erro, da graça, de risos e de lágrimas, enfim, por meio de um corpo-linguagem.

É sempre um dever ser autêntico, sincero, espontâneo, criativo. Ele sente e faz tudo com 100% de intensidade. Acredita que o riso, a alegria e a criatividade são parte integrante do processo de cura.

Já sabem de quem estou falando?

Na tradição do circo, começa sendo um acrobata, malabarista ou trapezista. Muitas pessoas desejam ser como ele, sabem por quê?

Porque quase todas as pessoas têm ousadia e proeza freqüentemente ao inverso da lógica desta figura. Ele põe em desordem  o que está  em sua volta e permite, assim, denunciar a ordem vigente: se deixa cair o chapéu, vai apanhá-lo mas, desajeitadamente, sapeca-lhe um pontapé e, sem querer, pisa na bengala, que lhe joga de volta o chapéu nas mãos. Ele erra e acerta onde não esperamos.

E agora, já sabem? Darei mais algumas dicas.

Toma tudo ao pé da letra, em seu sentido imediato: quando a noite cai (bum!), ele a procura no chão e nós rimos de seu lado idiota e ingênuo. Ele não causa medo, o que faz com que seja amado por todas as faixas etárias.

Descobriram?

Banha os olhos de ingenuidade e aumenta o rosto, desarmando-o de qualquer defesa com o seu pequeno nariz vermelho, ou seja, a menor máscara do mundo……

Apresento-lhes o clown!

Quem já se fantasiou de clown? Quem já se maquiou de clown? Quem já fez gracinhas como um clown? Quem já imitou um clown? Você conhece algum clown? Sabe o que está por detrás dos holofotes? Já esteve no camarim antes e depois do show? Já o acompanhou num dia de trabalho fora do picadeiro? Você se lembra de um clown da sua infância?

Pois é, eu já respondi a todas essas perguntas e continuo respondendo. Confesso que não foi e nem é fácil. Agora é com você: vista seu nariz vermelho e “vapt-vupt”!

Contar histórias é uma arte, é a arte de brincar com as palavras, com as expressões, descobrir tantos sentimentos, é poder se imaginar um lindo herói ou um horrendo super vilão, ou o contrário, é poder interagir em diferentes culturas, costumes, fantasias. Criatividade é o que os contadores de histórias têm de sobra.

Por esse motivo, eu os convido a conhecer mais uma das minhas paixões.

Recentemente concluí um curso de contação de histórias e no último dia, como de costume, seria feita uma apresentação com todos os alunos. A essa apresentação denominamos formatura. O grande dia estava chegando e todos, inclusive eu, precisávamos contar uma história com o tema superação. Mesmo bem contada, tinha que ser “A história”.

Duas semanas antes da formatura recebi um texto e, quando o li, num primeiro momento fiquei surpresa e logo em seguida, muito emocionada. Na verdade, não era meramente um texto, e sim, um presente.

Foi a partir desse texto que minha criatividade passou a fluir e nasceu a mais brilhante estrelinha Safira, filha do Sr. Faisca e da Sra. Pisca-Pisca.

Ela, com tantas habilidades queria mesmo era voar dali, do mesmo jeito que faziam suas primas meteoróides (as estrelas cadentes) e se aventurar. Resolveu romper algumas barreiras astrológicas, mesmo sem autorização e pulou pra dentro de um pote de ouro. Como era muito brilhante, foi logo reconhecida pelo dono do pote, o Sr. Arcolorido Íris. Nessa aventura toda, muitos mistérios foram desvendados, muitas dificuldades superadas, até que o dia do retorno chegou. Basta dizer que chuvinha prateada ao som de um lindo reggae estiveram lá, ou seja, fizeram sua parte.

Convidamos os amigos e cada aluno contou uma história. Éramos em sete contadores. Seis contaram histórias já publicadas, apenas deram outra interpretação. No meu caso, foi um pouco diferente. A partir do texto que recebi, criei uma história, exatamente a mesma que resumi acima em rápidas pinceladas.

Assim como Safira, que cada um mergulhe fundo em seus sonhos e consiga transmutá-los, passo a passo, em feliz realidade.

Saudações reluzentes e ….. até a próxima!

MERDA! MERDA! E MUITA MERDA!

Não estão entendendo?

Mais um espetáculo está para acontecer, mais um público chegando, mais uma vez a cortina irá se abrir após o terceiro sinal….o que será que há atrás das coxias?

Para quem vive no mundo do teatro, como eu, essa palavra é falada antes de entrarmos no palco, num único grito, com todos de mãos dadas numa roda passando energia ao outro.

Por incrível que pareça, essa palavra, mantra, ritual, seja o que for, tem origem francesa.

Fato real 01: um ator ia apresentar a peça mais importante de sua vida. Estava nervosíssimo, pois na platéia estariam os mais importantes críticos da cidade. No percurso de sua casa ao teatro encontrou alguns obstáculos. Primeiro, deparou-se com um incêndio, teve que desviar e acabou se perdendo. Assim que chegou ao teatro, logo na porta, pisou em um cocô. Muito atrasado, entrou, encarou, atuou e saiu muito feliz com a melhor apresentação de sua vida.

Fato real 02: A origem partiu da grande quantidade de escrementos deixada pelos cavalos que puxavam as carruagens dos nobres para apreciar os espetáculos teatrais. Quanto mais carruagens nos estacionamentos na porta teatro, mais merda espalhada se via. E, ao final do espetáculo, era possível constatar o quão bom e concorrido foi o espetáculo daquela noite.

Fato real 03: O tempo foi passando e a cada início de temporada o mais esperado entre os artistas envolvidos era e ainda é exatamente muita merda espalhada no entorno do teatro, e também, só para amenizar o cheiro, alguns pipoqueiros.

MERDA! Aprenderam?

Merda

(Caetano Veloso)

Nem a loucura do amor,
da maconha, do pó, do tabaco e do álcool,
vale a loucura do ator
quando abre-se em flor,
sob as luzes do palco
bastidores, camarins, coxias e cortinas
São outras tantas pupilas, pálpebras e retinas.
Nem uma doce oração, nem sermão, nem comício.
à direita ou à esquerda
fala mais ao coração
do que a voz de um colega
que sussurra “merda”.
Noite de estréia, tensão,
medo, deslumbramento, feitiço e magia
tudo é uma grande explosão
mas parece que não, quando é o segundo dia
Já se disse, não foi uma vez, nem três, nem quatro
não há gente como a gente, gente de teatro
gente que sabe fazer a beleza vencer
para além de toda a perda.
Gente que pode inverter
para sempre
o sentido da palavra merda.
Merda para você, desejo merda
Merda para você também
Diga merda e tudo bem
Merda toda noite, sempre, amém!…

A cor está presente na nossa vida, em tudo que nos rodeia e é constantemente apreendida e assimilada por nós.

O amarelo, por exemplo, transmite calor, luz e descontração. Simbolicamente está associado à prosperidade. É também uma cor energética, ativa, que transmite otimismo. Está associada ao verão. Já o dourado está simbolicamente associado à riqueza, a algo majestoso.

É um fato que as cores têm uma grande influência psicológica sobre o ser humano. Assim, quando o Homem tomou consciência desta realidade, aprendeu a usar as cores como estímulo para encontrar determinadas respostas e passou a ter também finalidades e funcionalidades práticas.

Jean-Baptiste Poquelin, mais conhecido como Molière, nasceu em Paris (15 jan de 1622 e faleceu em Valência a 17 fev de 1673). Foi um escritor de peças de teatro francês, além de ator e encenador. É considerado um dos mestres da comédia satírica. Teve um papel de absoluta importância na dramaturgia francesa. Um dos momentos mais famosos de sua biografia é a sua morte, que se tornou numa referência no meio teatral.

Dizem que morreu no palco, representando o papel principal da sua última peça (O doente imaginário). De fato, apenas desmaiou, tendo morrido horas mais tarde em sua casa, sem tomar os sacramentos já que dois padres se recusaram a dar-lhe a última visita, e o terceiro padre chegou tarde. Diz-se que estava vestido de amarelo, o que gerou a superstição de que esta cor é fatídica para os atores.

MITO? LENDA? Ou TABU? …….

Quem é que nunca entrou em uma casa nova com o pé direito ou bateu na madeira pra isolar o azar?